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Statue de Péplos grec

Statue de Péplos grec


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Peplophore, réplique romaine d'un original de la première moitié du IVe siècle avant notre ère, Rome (?), Marbre. Réalisé avec ReMake et ReCap Pro d'AutoDesk.

La jeune femme porte le péplos, agrafé sur les épaules et plissé au niveau du ventre. Cette statue est inspirée de la figure de la Paix (Eirènè) de Céphisodote l'Ancien, le père de Praxitèle.

Pour plus de mises à jour, veuillez me suivre sur Twitter à @GeoffreyMarchal.

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Koré / Koraï

De nombreuses statues Kore ont été exhumées sur l'acropole, la plupart datant du début du VIe s. AEC. En fait, la collection Acropolis tend à monopoliser le discours Kore en raison du grand nombre et de l'étendue de la variété stylistique qui a été mise au jour sur ce site.

Par définition, Kore (jeune fille) fait référence à des statues représentant des figures féminines, toujours d'un jeune âge, qui ont été créées pendant la période archaïque (600 &ndash 480 avant notre ère) soit en tant que statues votives ou commémoratives. De riches mécènes les commandaient soit pour servir les divinités à la place du mécène, soit, comme c'était moins souvent le cas, pour devenir des pierres tombales commémoratives pour les membres d'une famille. Plusieurs fois, leur base (et parfois sur leur robe) était inscrite avec un court paragraphe documentant la fonction de la statue, le mécène et l'artiste. Selon les interprétations les plus acceptées des preuves archéologiques, les statues Kore n'ont jamais représenté de divinités.

Les statues Korai sont l'équivalent féminin des Kouros. Il existe plusieurs différences distinctes entre les deux, la plus importante étant le fait que les statues de Kouros étaient presque toujours représentées nues, tandis que les Kore étaient toujours vêtues. Par conséquent, lors de l'étude des statues, nous avons tendance à nous concentrer sur le développement de l'anatomie à Kouros, et sur le développement de la robe pour le Kore avec l'expression du visage.

La plupart des statues Kore sont soit grandeur nature, soit un peu plus petites, et ont été développées avec les mêmes techniques et conventions proportionnelles que les équivalents Kouros de la même époque. Avec les statues Kore, l'anatomie humaine est reconnue sous les vêtements mais elle n'est pas mise en valeur. Au lieu de cela, les lignes de la draperie forment des formes douces qui s'écoulent facilement, créant une aura sereine, presque hypnotique, qui est dûment complétée par l'expression faciale paisible habituelle et le corps relativement immobile.

Les statues Kore étaient presque toujours debout, dans une pose en avant avec la jambe légèrement tendue vers l'avant (rarement avec les pieds joints), et avec une main tirant leur robe comme pour ne pas marcher dessus. La main libre tenait une offrande au dieu ou à la déesse qu'ils servaient. Les statues Kore sont représentées portant soit un chiton ionique, soit un péplos plus lourd comme c'est le cas avec la plupart des statues de l'Attique, tandis que certaines statues sont représentées portant un péplos sur un chiton. Les sculpteurs ont pris un grand plaisir à créer des motifs rythmiques avec la robe drapée sur le corps humain obscurément développé en dessous, et le marbre sculpté révèle la qualité ornée des bords du vêtement, qui a été peint sur les statues ou sculpté au ciseau.

Les statues Kore ont été soigneusement peintes dans les temps anciens afin de souligner la ressemblance de l'objet en appliquant des pigments afin de distinguer les surfaces (cheveux, chair, yeux, tissu), et pour des raisons ornementales, comme c'était le cas pour les décorations. peint sur les vêtements. La couleur a été appliquée à la surface de la pierre par la technique de l'encaustique. Dans ce processus, un pigment coloré a été mélangé avec de la cire qui a été utilisée comme agent de liaison, et le mélange a été appliqué à la sculpture après avoir été chauffée. Une fois refroidie, la surface cirée scellerait la porosité de la pierre empêchant ainsi son érosion. Les Grecs de l'Antiquité utilisaient cette technique pour appliquer de la couleur afin de créer des peintures murales et pour protéger des panneaux de bois et d'autres éléments architecturaux. C'est le même procédé que nous employons aujourd'hui pour préserver la surface des automobiles en la "cirant", sauf que dans cette application la cire n'est pas mélangée avec un pigment.

Par conséquent, le matériau utilisé pour sculpter les statues a été choisi davantage pour ses qualités de fabrication et sa durabilité, et moins pour sa couleur ou sa translucidité. Au début, la plupart des statues Kore et Kouros étaient faites de calcaire, qui est relativement mou et poreux. En tant que tel, le calcaire est facile à sculpter et retient bien les pigments à sa surface, mais il se détériore relativement rapidement lorsqu'il est présenté à l'extérieur. Lorsqu'elles sont exposées aux éléments, les détails d'une statue en calcaire peuvent être perdus même du vivant des mécènes qui l'ont commandée. Il n'est donc pas surprenant que le marbre soit préféré car sa dureté peut résister plus longtemps à l'érosion, même s'il est plus difficile à tailler. La majorité des sculptures Kore ont été taillées dans plusieurs pierres, le corps étant généralement taillé dans une pierre avec des cavités où les bras pouvaient être chevillés en place.

Les Péplos Koré (vers 530 avant notre ère) est un bel exemple du style attique, debout dans une pose rigide, obéissante et immobile pour ainsi dire, mais éclatante de force et de féminité à travers ses bras doux, les traits aimables de son visage et la suggestion subtile de la courbure de son corps sous les lourds péplos. Les cheveux ornés qui se drapent naturellement sur ses épaules, son &ldquosmile&rdquo mesuré et l'iris pigmenté confèrent une sensation de vivacité abondante et d'énergie potentielle à la statue.

En revanche, le Chios Koré (vers 520 avant notre ère) est présentée ornée d'un éventail éblouissant de plis, de textures et de couleurs sur son chiton. La nature décorative, les traits élégants et la robe indiquent qu'il s'agissait d'une statue fabriquée en Ionie (peut-être Chios), car elle contraste avec les traits robustes et les lignes verticales clairsemées du Peplos Kore.

Les traits du visage se sont développés au fil du temps, de l'expression naïve et insouciante du début du 7ème siècle avant notre ère au regard plus austère de l'ère archaïque tardive/début classique (comparez les images Korai ci-dessous).

Peu importe l'expression ou le style vestimentaire, l'un des aspects les plus importants des statues Kore (et Kouros) de cette époque est l'individualité indépendante que chaque statue émane. À la lumière des développements ultérieurs de la culture et de l'art grecs, cette représentation de l'individualisme ne peut être attribuée à un simple maniérisme dans la technique et le processus. Il est plutôt révélateur d'une culture qui commence à valoriser l'être humain solitaire en tant qu'entité distincte dont les attributs de pensée, d'inquisition et d'expression méritent la plus grande attention et le plus grand respect.

Les Kore et les Kouros de l'époque archaïque fournissent des indices sur une culture qui était mûre pour commencer à examiner et à expliquer le monde physique avec une curiosité curieuse, une étape qui a conduit aux innovations philosophiques, politiques et culturelles de la Grèce classique, innovations qui sont elles-mêmes devenues les base de la civilisation occidentale.


Peplos Kore, Athènes, Grèce, 530 avant notre ère

Les Grecs de l'Antiquité sculptaient également des statues en marbre de jeunes femmes, connues sous le nom de korai (coré pour le singulier). Contrairement aux hommes, les femmes étaient toujours vêtues de la statuaire archaïque. Un exemple est le Péplos Koré.

L'art de Gardner à travers les âges appelle le Peplos Kore « une sœur stylistique des Anavysos kouros (pour l'image des Anavysos kouros, cliquez ici). Cette statue se tenait probablement comme un votif dans le sanctuaire de la déesse Athéna. La statue est nom Péplos Koré parce que les érudits pensaient à l'origine qu'elle portait un péplum, qui est un vêtement simple, long, en laine, ceinturé. Cependant, en y regardant de plus près, les érudits ont réalisé qu'elle portait en réalité quatre vêtements différents, dont l'un n'est porté que par des déesses, l'identifiant ainsi comme une déesse. L'objet ou l'animal qu'elle aurait tenu dans sa main gauche aurait sûrement identifié quel genre de déesse elle était. (Son bras gauche a disparu car cette statue, ainsi que d'autres statues telles que le porteur de veau, ont été renversées par les Perses lorsqu'ils ont saccagé l'Acropole en 480 avant notre ère.)

Le Peplos Kore est entièrement drapé, avec seulement sa tête, ses bras et ses pieds visibles. Dans la statuaire archaïque, les femmes étaient généralement vêtues, contrairement aux hommes. L'artiste a rendu son corps sous une forme plus douce et plus naturaliste, par rapport aux rendus géométriques plus anciens du corps féminin. Des traces de peinture sur la statue indiquent qu'elle a déjà été peinte.


Statue de Péplos grec - Histoire

La partie inférieure du corps a été retrouvée en 1886 dans la soi-disant "Korai Pit" au nord-ouest de l'Erechthéion, la tête a été retrouvée à proximité quelques jours plus tard, et la partie supérieure du corps était située un peu au sud, dans le quartier du Vieux Temple. Le Kore a été nommé le "Peplos Kore" en raison du vêtement qu'elle porte - le peplos. Le péplos était attaché au milieu avec une ceinture et sur les épaules avec des épingles en bronze qui étaient fixées dans les petits trous qui sont encore conservés. Sous ses péplos, la Kore porte un chiton plus long, dont les plis minces enveloppent ses jambes. L'analyse spectrographique des couleurs a montré que la ceinture était autrefois bleu et vert et le chiton bleu, avec une bande verte au niveau du cou. Le péplos était blanc - sa section médiane décorée de rangées verticales de petits animaux, d'oiseaux et de cavaliers représentés sur des carrés rouges encadrés par des bandes de rosettes colorées sur un fond vert. Les bordures de péplos étaient ornées d'une double bande à spirales, d'éléments floraux et d'une chaîne de volutes et palmettes alternant avec des fleurs de lotus.

Les cheveux du Kore tombent sur ses épaules en longues boucles, tandis que derrière, ils sont attachés avec un ruban. La peinture rouge qui recouvre les cheveux aujourd'hui est une sous-couche sur laquelle la couleur brune finale a été appliquée. La même teinte rouge recouvre les iris de ses yeux et de ses lèvres, tandis que ses pupilles, ses paupières et ses sourcils ont probablement été rehaussés de peinture noire. Des traces de tiges métalliques sont conservées dans les 35 trous situés sur sa tête qui supportaient un stéphane de rayons lumineux ou de fleurs de lotus. De petits trous dans ses lobes d'oreilles indiquent qu'elle portait autrefois des boucles d'oreilles en bronze et une tige dépassant du sommet de sa tête est un meniskos.

La main gauche du Kore était faite d'un morceau de marbre séparé et insérée dans l'encoche encore conservée de nos jours. Sa main droite s'étend vers le bas et elle joint ses doigts comme si elle tenait quelque chose. Ceci, combiné aux vêtements conservateurs de son époque, a conduit beaucoup à supposer qu'il ne s'agissait pas d'un simple Kore, mais d'une déesse – peut-être Artémis, qui aurait saisi des flèches dans sa main droite et un arc dans sa main gauche. Cette statue est l'œuvre d'un important artiste athénien, peut-être le même qui a réalisé le "Rampin rider" ( Ακρ. 590 ) et la statue d'un chien de chasse ( Ακρ. 143 ).


De nombreux historiens de l'art ont préféré imaginer, à tort, que tout le marbre antique brillait de blanc

Alma-Tadema faisait une déclaration audacieuse avec cette peinture : la couleur avait disparu des sculptures au moment où elles ont été exposées au British Museum. Plus de deux millénaires de temps et de guerre avaient blanchi le marbre blanc. Et à partir du XVIIIe siècle, de nombreux historiens de l'art influents ont préféré les choses de cette façon : des hommes comme Johann Joachim Winckelmann - dont l'histoire de l'art ancien en deux volumes a été publiée en 1764 - aimaient à considérer la sculpture ancienne comme une masse de beau blanc brillant.

Lawrence Alma-Tadema a peint Phidias montrant la frise du Parthénon à ses amis, qui représentait la structure athénienne comme étant peinte de couleurs vives (Crédit : Alamy)

Winckelmann était particulièrement fan des copies romaines en marbre de statues grecques en bronze : les Romains copiaient souvent les originaux grecs en marbre. Vous pouvez dire qu'il s'agit d'une copie en marbre d'un bronze si un personnage s'appuie sur quelque chose : un tronc d'arbre, ou un bâton, par exemple. Ou peut-être y a-t-il un petit morceau de marbre reliant les deux jambes ensemble. Le marbre n'a pas la résistance à la traction du bronze, il nécessite donc un soutien supplémentaire pour maintenir les figures stables.

Ainsi, lorsqu'Alma-Tadema a peint la frise du Parthénon et a inclus sa version imaginaire de la couleur perdue, il a choisi son camp dans une bataille d'histoire de l'art qui fait encore rage aujourd'hui. Il y a beaucoup de gens maintenant qui trouvent que la notion de marbre ou de bronze peint est un affront à leur impression du passé en tant que lieu austère et sans fioritures.

Phidias a également sculpté une grande statue d'Athéna pour se tenir au Parthénon – elle était recouverte d'or et d'ivoire (Crédit : Getty Images)

Pourtant, l'art ancien aurait été une débauche de couleurs et de décoration fastueuse. Phidias - le sculpteur le plus célèbre de son époque - a également créé une immense statue d'Athéna Parthénos pour se tenir à l'intérieur du Parthénon (elle tire son nom de la description de la déesse : parthénos signifie « jeune fille »). Bien que la statue soit détruite depuis longtemps, nous en avons une description dans les écrits de l'historien antique Pausanias. Il nous dit que la statue était chryséléphantine : recouverte d'or et d'ivoire. Il existe une réplique moderne de la statue de Nashville, du sculpteur Alan LeQuire, qui capture sûrement quelque chose de l'original scintillant.

Émoussé par le temps

Même les statues en bronze auraient été beaucoup plus brillantes que leur aspect brun foncé ne le suggère aujourd'hui : le bronze acquiert une patine avec le temps. Ce que nous voyons comme une tête brun verdâtre uniforme aurait autrefois été brillant, presque doré. Les cheveux auraient été peints en noir et la chair aurait très bien pu être peinte aussi. Les orbites des statues anciennes sont souvent vides, car les yeux ont été fabriqués séparément et ont été perdus au fil du temps. Il y a une magnifique paire d'yeux grecs au Metropolitan Museum of Art de New York, en bronze, marbre, quartz et obsidienne. Les cils bronze sont particulièrement ravissants, quoiqu'un peu déconcertants.


Statue de Péplos grec - Histoire

Nous avons en fait acquis des connaissances sur la façon dont les Grecs de l'Antiquité s'habillaient. Nous le voyons dans les statues de la Grèce antique, l'art mural et d'autres objets d'art similaires. Mais cela ne suffit pas pour apprécier pleinement leurs tenues. Nous connaissons le design, la forme, la silhouette, mais il y a plusieurs aspects que nous pouvons souligner. D'une part, les couleurs et les motifs des tissus. Il est difficile d'en apprendre beaucoup sur quelque chose qui s'est passé il y a 3 000 ans. Surtout quand on parle de choses aussi fragiles que des tissus. Mais nous pouvons partager avec vous les informations dont nous disposons.

L'article est basé sur une vidéo d'Amanda Hallay, historienne de la mode

La Grèce antique est une civilisation qui existait aux XIIe-IXe siècles av. Elle est célèbre pour sa riche culture (art, musique, artisanat, etc.) et ses énormes progrès dans de nombreux domaines scientifiques, tels que les mathématiques, la philosophie, etc.

Jetons un coup d'œil au costume classique de la Grèce antique.

Le type de vêtements portés dans la Grèce antique était ample et fluide et les vêtements n'étaient presque jamais cousus ensemble. Les tissus étaient principalement du lin et de la laine.

Les femmes portaient également un voile avec leurs vêtements chaque fois qu'elles sortaient de la maison. Et d'ailleurs, les femmes n'étaient pas encouragées à sortir.

En fait, les perspectives de la mode grecque antique étaient assez modernes en ce qui concerne les hommes, dans la mesure où la nudité masculine n'était pas un gros problème dans la Grèce antique. Les hommes pouvaient sortir avec des vêtements minimes, alors qu'une femme devait en fait être assez habillée.

Principaux vêtements de la Grèce antique

Il y a 3 vêtements qui composent la garde-robe grecque.

Il était porté dans la société grecque antique par les hommes aussi bien que par les femmes. C'était un article unisexe.

C'était une forme de vêtement qui était très populaire. Le chiton serait porté avec un himation ou sans himation &ndash nous parlerons de ce vêtement ci-dessous.

Une ceinture était aussi souvent portée avec le chiton. Cela s'appelait un &ldquozoster&rdquo.

Le chiton dorique se composait de deux morceaux de tissu, de forme rectangulaire, et portés longs, puis fixés sur l'épaule de chaque côté avec des clips.

Le chiton ionique différait du chiton dorique en termes de surpli. Le surpli a été porté plus longtemps sur le chiton dorique.

Regardons un chiton dorique en détail. Généralement, il y a deux morceaux de tissu et celui de devant a un rabat, donc il est plus long et vous le repliez pour faire une sorte de rabat. Parfois, le chiton est composé d'un long rectangle que vous pliez puis enroulez autour de vous. Vous l'enrouleriez autour, puis vous tireriez la partie avant et la partie arrière vers le haut et la clipseriez sur vos épaules. Ensuite, il a été ceinturé. Malgré le fait qu'il était ouvert sur le côté, il y avait tellement de tissu qu'on ne voyait pas l'ouverture.

Comme on le sait, ces chitons seraient très colorés. Le temps vole l'histoire des couleurs et nous voyons des statues de la Grèce antique blanches, sans aucune couleur, mais dans la vraie vie, les femmes portaient des vêtements brillants.

Voici le chiton ionique. Il a des manches plus longues avec des clips sur les côtés.

Le chiton est un vêtement construit non pas par couture mais par clippage, emballage et pliage. Il fait chaud en Grèce, ils n'avaient pas besoin de beaucoup de choses.

Les hommes portaient aussi des chitons. Le chiton n'est pas une tunique car les tuniques sont constituées de deux morceaux de tissu, qui se reflètent, qui ont été cousus ensemble avec des espaces pour la tête et les bras. Le chiton est complètement différent.

Le deuxième pilier des vêtements de la Grèce antique était le peplos. Ce vêtement a été cousu. C'était une pièce de forme tubulaire.

Les femmes portaient souvent les péplos. Il remonte à la période avant 500 av.

Peplos a été fabriqué à partir de laine. C'était pratique car le porteur pouvait ajuster le vêtement à sa taille. La longueur traditionnelle d'un péplos était jusqu'aux chevilles.

La couche supérieure du tissu, qui drapait à la taille, donnait souvent l'apparence d'un vêtement en deux pièces. Les bras des femmes ont été laissés nus.

Certains types de motifs ont été utilisés pour les péplos. Certains des motifs courants comprenaient des carreaux, des fleurs, des vagues ou même des rayures.

Comment était-il porté ? Vous faites un tube, vous le repliez (par rapport à votre taille) en haut, puis vous entrez dedans, tirez le tube vers le haut et rassemblez le tissu sur chaque épaule.

C'était des vêtements d'extérieur. Fondamentalement, l'himation était un long morceau de tissu rectangulaire (généralement, de la laine ou du coton) qui était utilisé comme une cape. Pas une toge, mais c'est comme une toge.

Les hommes porteraient des himations sans rien en dessous. De temps en temps, il pouvait y avoir une tunique, s'il faisait froid, mais, généralement, pas.

Lorsque l'himation était porté en solo, il était connu sous le nom de &ldquoochiton&rdquo.

Les femmes porteraient un himation comme un manteau. Qu'elle porte son chiton ou son péplos, si elle quittait la maison, elle porterait un himation par-dessus et le remonterait au-dessus de sa tête pour faire un voile.

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Grèce archaïque

La période de la Grèce archaïque a duré du VIIIe siècle avant JC à la deuxième invasion perse de la Grèce en 480 avant JC. Cette période a été suivie par la période classique.

Dans les arts visuels, la période archaïque se caractérise par un glissement vers des styles figuratifs et naturalistes.

C'est l'époque de l'introduction de la sculpture monumentale en Grèce. La première partie de la période archaïque a vu des influences orientalisantes distinctives dans la sculpture.

La sculpture humaine grandeur nature en pierre a commencé à l'époque archaïque. Cela a été inspiré en partie par la sculpture en pierre égyptienne antique.

Les premières sculptures de Kouros correspondent aux règles égyptiennes de la proportion de figures humaines. En Grèce, ces sculptures survivent mieux en tant que dédicaces religieuses et pierres tombales.

Les types de sculpture archaïque les plus connus sont les kouros et les kore, des statues qui ont été développées pour la première fois vers le milieu du VIIe siècle av.

Au cours du VIe siècle, ces figures de l'Attique deviennent plus réalistes et naturalistes. Ce Peplos Kore dans la culture grecque conduirait finalement à la Vénus de Milo.


Son au-delà

Fig. 3 - Paul Poiret (Français, 1879-1944). Robe de soirée, 1922-1923. Soie. New York : le Metropolitan Museum of Art, C.I.43.85.2a, b. Don de Mme Muriel Draper, 1943. Source : The Met

Fig. 4 - Donna Karan (Américaine, 1948-). Robe à lire pour porter, Printemps 2010. New York : Vogue, Modèle : Kasia Struss. Photographié par Marcio Madeira. Source : Vogue

Les références:
  • Cumming, Valerie, C. W. Cunnington et P. E. Cunnington. “Péplos.” Dans Le dictionnaire de l'histoire de la mode, 154. Oxford : Berg Publishers, 2010. Consulté le 26 avril 2019. https://www.bloomsburyfashioncentral.com/products/berg-fashion-library/dictionary/the-dictionary-of-fashion-history/peplos.
  • “Péplos.” Dans Le monde antique, édité par Sara Pendergast et Tom Pendergast, 134-135. Vol. 1 de Mode, costumes et culture : vêtements, chapeaux, décorations corporelles et chaussures à travers les âges. Detroit, MI : UXL, 2004. Gale Virtual Reference Library (consulté le 26 avril 2019). http://libproxy.fitsuny.edu:2540/apps/doc/CX3425500081/GVRL?u=fitsuny&sid=GVRL&xid=0b471d7a.
  • Sobel, Sharon. Costumes d'époque drapés : du grec classique au victorien. La série Focal Press Costume Topics. New York Londres : Focal Press, 2013. http://www.worldcat.org/oclc/940720233.

A propos de l'auteur

Rebecca Kreamer

Rebecca Kreamer, étudiante en design de mode à la FIT (promotion 2021), a fait des recherches et écrit ceci tout en suivant HA 344 : L'histoire du costume occidental (automne 2018), enseigné par le professeur De Young.


Des statues grecques peintes ?

J'ai entendu sur Internet que les statues et même les bâtiments grecs étaient peints de couleurs vives, mais je n'ai pas pu trouver d'informations plus spécifiques qu'une poignée de colorisations plutôt laides. Est-ce que quelqu'un connaît des informations plus détaillées sur la façon dont ces choses ont été peintes? Il est très difficile de les imaginer autrement que blancs.

L'article La lumière ultraviolette révèle à quoi ressemblaient vraiment les statues grecques antiques mentionne certaines des techniques, telles que l'exposition à la lumière ultraviolette et infrarouge ou la spectroscopie aux rayons X, utilisées pour déterminer les couleurs originales peintes sur les sculptures.

De plus, si vous recherchez sur Google le 'sarcophage d'Alexander', il reste une partie de la peinture d'origine.

Question : Ainsi, une technique de peinture (à la fois traditionnelle et sculpture) consiste à utiliser un ton moyen, une base ou un apprêt pour remplir un objet, puis de peindre les reflets, les ombres et la texture. Comment savons-nous que ce que ces études ont trouvé n'est pas seulement la première couche de base, et qu'il n'y en avait pas plus au-dessus ?

D'après ce que j'ai appris, non seulement elles étaient peintes, mais les statues de déesses étaient vêtues/enveloppées de vrai tissu, et les prêtres/prêtresses se maquillaient également chaque jour. C'était plus populaire en Égypte, cependant, je crois qu'ils l'ont également fait pour les déesses de grand nom.

J'ai également lu que des vêtements étaient parfois également mis sur des statues. Par exemple.:

Athéna était la déesse protectrice d'Athènes, une ville nommée pour la déesse. Les habitants d'Athènes ont construit un grand temple pour Athéna sur l'acropole (ou point culminant) de leur ville. Le temple est connu sous le nom de Parthénon. Il y avait une statue colossale en or et en ivoire de la déesse Athéna Parthénos, Athéna la jeune fille. Lors du festival annuel Panathenaia, une procession a été faite à la statue dans le but de fournir de nouveaux vêtements à la statue de la déesse.

Les Jeux Panathénaïques, comme les Jeux Olympiques, étaient des compétitions sportives organisées tous les 4 ans, mais ils étaient organisés par la cité-État d'Athènes et comprenaient également des compétitions poétiques et musicales.

La procession vers le Parthénon était plus importante que les jeux eux-mêmes. Pendant la Grande Panathénée, une robe spéciale (le péplos) a été confectionnée par les femmes d'Athènes pour la statue d'Athéna, qui a été portée au Parthénon dans le cadre de la procession. Il y avait aussi un grand sacrifice fait à Athéna, l'hékatombe ("sacrifice de cent bœufs") et la viande des animaux sacrifiés a été utilisée dans un énorme banquet la dernière nuit du festival, le pannychtis ("la nuit blanche"). De nombreux chercheurs pensent que cette procession est le thème de la frise du Parthénon.

La production des péplos était une entreprise importante.

Le dernier jour de la Pyanepsion, la prêtresse d'Athéna Polias et les Arrephoroi, un groupe de filles choisies pour aider à la confection des péplos sacrés, installèrent le métier à tisser sur lequel les énormes péplos devaient être tissés par les Ergastinai, un autre groupe de filles choisies pour passer environ neuf mois à fabriquer les péplos sacrés. Ils devaient tisser un thème de la défaite d'Athéna sur Enkelados et de la défaite des Géants par l'Olympien. Le péplos de la statue était changé chaque année pendant la Plynteria.

Le péplos a joué un rôle dans la fête athénienne de la Grande Panathénée. Neuf mois avant le festival, lors du festival des arts et de l'artisanat intitulé Chalkeia, un péplos spécial commencerait à être tissé par les jeunes femmes. Ce péplos a été placé sur la statue d'Athéna lors de la procession du festival. Le péplos avait des mythes et des histoires tissés dans son matériau et se composait généralement de tissu violet et jaune safran.


Peinture sur statues grecques 2

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Deuxième tentative pour faire fonctionner ma vidéo pour mon professeur d'histoire de l'art.

pour plus d'informations, veuillez visiter le " La polychromie de la sculpture et de l'architecture grecques et romaines" page Web

(veuillez utiliser le clic droit de votre souris et ouvrir le lien dans la prochaine fenêtre privée,)


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Voir la vidéo: Peplos Kore from the Acropolis (Mai 2022).